Vez ou outra, em catálogos de festivais de cinema, aparecem filmes que não se identificam nem como ficções nem como documentários, e sim como experimentais. Tais trabalhos surgem com mais frequência em sessões especiais ou mostras paralelas nos festivais tradicionais, ou então em eventos específicos para este tipo de produção. Fechado em si mesmo, o termo “experimental” é vago, como admitem Aaron Cutler e Mariana Shellard, curadores da mostra Cine Sin Limites, que começa hoje (4) e vai até o dia 14 de maio no Centro Cultural São Paulo.
Mais do que buscar definições para os filmes deste nicho, o evento tem o objetivo de apresentar aos cinéfilos paulistanos a obra de três artistas pioneiros no cinema experimental argentino: Claudio Caldini, Jorge Honik e Narcisa Hirsch. Entre o final dos anos 60 e o início dos anos 80, eles fizeram parte de um grupo de cineastas que se reunia regularmente em Buenos Aires para compartilhar seus filmes, geralmente realizados em 8mm e Super-8. Ao todo, a mostra vai exibir 70 curtas-metragens, a grande maioria deles inéditos no Brasil.
“Nós colocamos os filmes desses três diretores juntos porque vimos um diálogo natural entre suas obras. Além do que, eles são amigos e influenciam uns aos outros. E considerando que existe uma nova geração de cineastas argentinos que foram influenciados por esses artistas, nós também decidimos fazer um breve panorama do cinema experimental argentino”, comentam os curadores Aaron Cutler e Mariana Shellard.
Na entrevista a seguir, concedida por e-mail ao Cine Festivais, os curadores falam sobre as trajetórias e as obras dos cineastas homenageados pela mostra Cine Sin Limites.
Cine Festivais: Como se deu o contato de vocês com as obras desses realizadores?
Aaron Cutler e Mariana Shellard: Aaron estava em uma sessão do Bafici (Festival Internacional de Cinema Independente de Buenos Aires) em 2012 quando um programador apontou para um membro do público e disse: “aquele cara é o maior cineasta experimental do mundo”. Era Claudio Caldini, de quem eu havia ouvido falar pelo filme e livro de Andrés Di Tella sobre o artista (ambos chamados Hachazos). Conseguimos assistir ao belo Blu-ray com filmes de Caldini, lançado pela antennae collection (http://antennaecollection.com) no mesmo ano. A partir daí entramos em contato com o artista e tomamos conhecimento de toda sua obra.
Caldini é considerado uma lenda viva na Argentina, assim como Narcisa Hirsch. Durante uma outra viagem para o país, conhecemos o neto de Hirsch, Tomas Rautenstrauch, que é muito envolvido com o circuito de cinema experimental atual de Buenos Aires. Ele nos colocou em contato com o selo mq2*, que lançou em 2013, em DVD, alguns filmes de Hirsch.
Posteriormente, conseguimos assistir a outros filmes com a ajuda de Federico Windhausen, um historiador e programador de cinema experimental latino-americano que trabalhou muito com Hirsch.
A antennae collection também lançou em 2013 um Blu-ray dos filmes de Jorge Honik, cuja obra é pouco conhecida até mesmo na Argentina. Muitos programadores e críticos ouviram falar de seus filmes, porém nunca os assistiram. Ele viveu a maior parte de sua vida fora de Buenos Aires. Assim, sua participação na cena do cinema experimental dos anos 60 e 70 foi, de certa forma, transversal. Somado a isso, a grande maioria de sua produção cinematográfica ocorreu entre 1968 e 1975; após esse período, ele se concentrou na literatura e no teatro.
A decisão da antennae collection de lançar um Blu-ray com os filmes de Honik e colocá-lo no cânone do cinema experimental argentino foi muito inspiradora para nós, pois além dos filmes serem lindos, Honik é um artista muito doce e modesto que precisa ser conhecido.
Nós colocamos os filmes desses três diretores juntos porque vimos um diálogo natural entre suas obras. Além do que, eles são amigos e influenciam uns aos outros. E considerando que existe uma nova geração de cineastas argentinos que foram influenciados por esses artistas, nós decidimos fazer um breve panorama do cinema experimental argentino, também com a ajuda da antennae collection.
No cinema tido como independente/autoral há um circuito de legitimação através dos festivais tidos como “importantes”, que recebem espaço na mídia, seja ela especializada ou não. No caso dos filmes experimentais, que na maior parte das vezes estão fora desses mesmos espaços, gostaria de saber se esta lógica exibição-competição-premiação é muito diferente. Se sim, como que esses trabalhos se legitimam dentro deste nicho?
Os cineastas não legitimam seus filmes para o público. Isso é feito pelo mercado e por programadores. Na última década, junto com o crescimento do interesse acadêmico pelo cinema experimental, houve um afloramento de festivais e segmentos de festivais comerciais dedicados exclusivamente a esse gênero de filmes. Eles seguem a lógica “separado, porém igual”, que apesar de ser problemática, tem a vantagem de dar visibilidade às obras.
Os dois principais festivais argentinos, Mar del Plata e Bafici, ambos essencialmente heterogêneos, contêm sessões de cinema experimental. Os três cineastas da mostra Cine sin limites são convidados frequentes desses festivais, especialmente em contextos não competitivos, alocando os filmes em eventos especiais e posicionando os cineastas como “velhos mestres”, nos quais a nova geração se espelha.
A noção de “mestre” é muito importante para o cinema experimental. Como o termo “cinema experimental”é muito vago, pontos de referência são muito importantes. Assim como Michael Snow, Stan Brakhage e outros pares – para o bem ou para o mal – continuam a ser referências para o cinema experimental norte americano, Caldini, Hirsch, e, mais indiretamente, Honik, continuam a ser referências para o cinema experimental argentino, não apenas para artistas, programadores e festivais, mas também para o público.
Bolsas, prêmios e residências oferecidos por instituições de arte são, além dos festivais, meios competitivos do cinema experimental. Por exemplo, alguns dos filmes mais recentes de Caldini foram produzidos durante residências artísticas no Canadá e na Escócia. Esses modelos se tornaram importantes meios de produção e circulação de filmes experimentais.
Também é muito importante levar em consideração que os filmes desses artistas circulam, em parte, graças aos esforços de indivíduos que publicaram textos e programaram seus filmes, como é o caso de Federico Windhausen, que organizou uma sessão dupla com Hirsch e Michael Snow dos filmes Workshop (1976/77, de Hirsch) e A Casing Shelved (1970, de Snow) no Canadá em 2014, e Leandro Villaro, que criou seu próprio selo antennae collection e que faz um trabalho artístico muito elegante na produção de DVDs e Blu-rays, colocando à disposição do mundo a obra de importantes artistas argentinos que ainda são pouco conhecidos do público em geral.
Saindo do geral e vindo para o particular, como se deu essa trajetória de reconhecimento dos três cineastas homenageados pela mostra, na Argentina e fora dela?
Até a década de 2000, os cineastas tinham exemplos isolados de sucesso no exterior – por exemplo, houve um momento em que o cineasta argentino Gaspar Noé (de Irreversível), radicado na França, ajudou Caldini a passar alguns de seus filmes na televisão europeia. Mas os três cineastas vêm conquistando maior visibilidade internacional na última década, com a participação em festivais internacionais, lançamentos de DVDs e Blu-rays e divulgação dos filmes pela internet.
Além de seguir com sua produção cinematográfica, Caldini ministra cursos de cinema e foi curador de cinema e vídeo do Museu de Arte Moderna de Buenos Aires entre 1998 e 2004. Ele é muito envolvido com questões técnicas da prática cinematográfica experimental e ministra workshops que influenciam muito a nova geração de cineastas. Inclusive, três dos filmes dessa nova geração que estão presentes na mostra – de Pablo Marín, Pablo Mazzolo e Sergio Subero – foram sugeridos por ele.
Honik possui uma produção mais abrangente que também envolve a literatura e o teatro e ministra workshops na região de Bariloche, onde vive. Recentemente recebeu uma retrospectiva no festival de Mar del Plata e teve sua obra compilada em um belo Blu-ray pela antennae collection. Ele está voltando para o cinema após quarenta anos sem fazer um filme, e estamos felizes de apresentar a estreia mundial de Elementos, uma obra de 38 minutos, organizada em cinco partes, que ele terminou literalmente durante as últimas semanas.
Antes de se tornar cineasta, Hirsch produziu pinturas, esculturas e happenings e sempre foi muito ativa tanto no meio do cinema experimental quanto das artes visuais. Na década de 1980 ela se tornou uma colecionadora de filmes experimentais, construindo um acervo com títulos que variam entre Hans Richter e Hollis Frampton, os quais ela costumava projetar para pequenos públicos em seu ateliê. Sua obra tem sido abordada em documentários realizados por jovens cineastas e está sempre presente em discussões críticas e acadêmicas. Hirsch já apresentou seus filmes em cidades como Nova York e Toronto,e teve uma retrospectiva no Viennale [Festival de Viena] em 2012.
E quais são as principais características que permeiam os filmes dos cineastas homenageados pela mostra?
A primeira importante característica é o formato Super-8 e 8 mm. Além de Claudio Caldini, Jorge Honik e Narcisa Hirsch, cineastas na Argentina como Marie-Louise Alemann, Horacio Vallereggio e Juan José Mugni começaram a produzir em uma época em que o 8 mm estava começando a ser comercializado para o mercado profissional e artístico, com o lançamento do Super-8, mantendo o baixo custo do formato doméstico.
Esses artistas frequentemente organizavam eventos para apresentar seus trabalhos e criaram um circuito muito ativo em Buenos Aires. A cidade também contava com importantes espaços culturais, como o Instituto Di Tella, que em 1965 apresentou uma mostra do Novo Cinema Americano com filmes de Andy Warhol, Stan Brakhage, entre outros. No final da década de 70, o Goethe-Institut Buenos Aires criou um espaço para projeção de filmes experimentais para os artistas locais e trouxe cineastas alemães como Werner Nekes, Herzog e Schroeter para apresentar seus filmes e realizar workshops. (O recém-falecidoNekes, em particular, foi uma importante influência para a obra de Caldini e Hirsch, que também fizeram filmes sobre Nekes, presentes na mostra.)
No circuito haviam dois movimentos, o cinema experimental e o underground, sendo o primeiro voltado para questões estéticas e o segundo para questões políticas, de combate à ditadura militar argentina. Caldini, Hirsch e Honik essencialmente seguiam a primeira tendência, com filmes que abordavam questões mais pessoais e ontológicas. Ainda assim, é possível identificar na obra desses três artistas a manifestação política, algumas vezes de forma mais sutil e em outras mais explícita. As performances filmadas de Hirsch, como Marabunta (1967) e Manzanas (1973), e o estilo de vida de Honik, registrado em filmes como as duas partes de La mirada errante (1969/81), tinham um aspecto muito subversivo. Ainda que em outro momento, o documentário Un nuevo día (2016), de Caldini, sobre o assassinato de seu amigo, o cineasta Tomás Sinovcic, pelos militares em 1976, quando tinha apenas 24 anos, mostra o impacto da ditadura sobre sua própria vida.
E quais delas foram utilizadas como critérios para compor os programas de curtas?
Nós optamos por criar programas exclusivos para enfatizar o conjunto da obra de cada artista. Como eles são essencialmente desconhecidos para o público brasileiro, achamos importante apresentá-los da maneira mais completa que podíamos. Os programas de Honik foram os mais simples de montar. Sua obra completa será apresentada cronologicamente em projeções Super-8 e digitais. Elementos (2017), seu filme mais recente, foi programado em diálogo com o panorama do cinema experimental argentino. Além disso, como Honik concebeu alguns de seus filmes em duas versões – uma em silêncio e outra com acompanhamento musical –, programamos as duas.
Para as sessões de Caldini, organizamos os filmes essencialmente em ordem cronológica e trabalhamos junto com o artista para definir a seleção e criar programas com uma fluidez musical que é característica dos filmes.
Os programas de Hirsch foram os mais elaborados, pois como ela tem um corpo de trabalho muito extenso, tivemos que criar alguns parâmetros para selecionar os filmes. Então optamos por uma seleção temática, ao invés de cronológica, e também, optamos por enfatizar uma característica de seu trabalho que é a reutilização de materiais de performances e de filmagens, que, ao serem reconfigurados, oferecem significados diferentes a cada filme. Os temas que criamos para guiar nossa seleção foram: o existir, a jornada, o feminino e a dança, os quais estão organizados ao longo de quatro programas.
A redução de custos propiciada pelo formato 8 mm e Super-8 permitiu uma produção menos custosa, de caráter doméstico. Que paralelos é possível fazer entre aquela época e a era atual, do cinema digital? As facilidades do digital foram aproveitadas pelos cineastas homenageados e/ou fez com que alguns “discípulos” surgissem no campo do cinema experimental?
Não há dúvidas de que o 8mm e Super-8 deram ao público a possibilidade de produzir filmes, porém o mais interessante é que esses formatos viabilizaram uma produção artística independente que não existia até então. Como disse o próprio Caldini em um ensaio de 1978 chamado “Uma Nova Etapa na História de Cinema”, que pode ser encontrado no catálogo da mostra: “As produções em Super-8 não prestam contas para nenhum sindicato de técnicos. Nem de artistas, nem de distribuidores ou exibidores. Tampouco devem se submeter a qualquer censor de plantão. Nem pagar impostos. O Super-8 impõe outra relação com o cinema, da sua concepção à exibição. Admite circuitos de exibição inéditos. Aqueles que seus realizadores imaginarem e materializarem. São eles que escolhem que tipo de filme fazer, seus públicos e a maneira de chegar a eles.”
Na década de 80, com o surgimento do vídeo na Argentina, a comercialização do Super-8 desapareceu, forçando Caldini e Hirsch a mudar para a nova mídia. Eles criaram obras incríveis em vídeo e posteriormente em digital. Hirsch transferiu suas películas para o digital e passou a reciclar o material, recontextualizando imagens antigas. Ela nunca mais voltou para o Super-8. Mas, durante a última década, com a volta comercial do Super-8, uma nova geração de artistas passou a usar a mídia, criando uma nova cena de cinema experimental em Super-8.
Caldini voltou a trabalhar com película e inclusive a dar aulas e workshops técnicos sobre a mídia. O Super-8 desenvolveu sua própria estética e foi emancipado de um formato doméstico para um formato artístico. Com o cinema migrando para o digital, a película se tornou uma mídia específica, e não uma tecnologia obsoleta.
Jorge Honik aborda a passagem da película para o digital (tendo finalizado seu primeiro filme neste formato este ano) com uma precisão lírica, em um texto sobre seu novo filme, Elementos, que foi escrito especificamente para o catálogo da mostra: “No caso do Super-8, havia uma relação quase descarnada com o objeto filmado. O contato físico, sensorial com esse átomo primordial representado pelo fotograma foi deslocado por procedimentos que clonam, através da informação, as formas de ver e representar. Tendo deixado de lado as técnicas usadas quando o suporte era a película de acetato, é necessário, remetendo à Odisseia de Homero, atar-se à própria visão para não ser seduzido pelo canto de sereia de uma tecnologia infinitamente complexa que não para de derramar sobre nós um dilúvio de recursos visuais.”
Filmes experimentais muitas vezes ficam no meio do caminho entre o cinema e as artes visuais, sendo em algumas oportunidades apresentados em instalações em museus e em outras nas salas de cinema. No caso dos filmes da mostra, eles carregam essa ambivalência? O quanto a exibição numa sala de cinema, em programas que pensam o conjunto de filmes exibidos, pode ressignificá-los?
Os filmes dos três cineastas presentes na mostra foram primeiramente realizados com a intenção de serem projetados em um contexto cinematográfico, e não de exibição artística (em museus e galerias). Porém, eles também trabalham em outros formatos. Algumas obras de Narcisa Hirsch são registros de performance que ela realizou nas décadas de 60 e 70. Caldini possui obras que são instalações videográficas e performances com múltiplos projetores em Super-8.
Os filmes antigos de Honik, ao serem apresentados juntos em uma sessão, criam uma narrativa que culmina na síntese Passacaglia y fuga, o filme mais completo da primeira fase de sua carreira cinematográfica.
É possível verificar um diálogo muito forte dos filmes da mostra com outras artes, como literatura, teatro e artes visuais. Como esse diálogo se dá na obra de cada um dos cineastas homenageados?
Os três artistas trabalham com outras artes. Caldini compôs as músicas de alguns de seus filmes e muitas vezes, movimenta a câmera como um gesto de dança. Ele ainda estudou com o dançarino alemão Rolf Gelewski em São Paulo e colaborou com a dançarina brasileira Alice Bloch, resultando nos filmes Rolf Gelewski, spiritual dancer(1982/2016) e Un enano en el jardín(1981).
Narcisa começou sua carreira artística como pintora e escultora, depois migrou para os happenings e para o cinema. Essas outras facetas da artista podem ser percebidas em seus filmes ao passearmos por seu ateliê e assistirmos aos registros de seus happenings. Ela também é muito influenciada pela literatura. Todos os seus filmes envolvem “a palavra”, às vezes isolada e, em outras vezes, em citações de escritores (de Pitágoras a Borges)e de textos próprios.
Honik é autor de contos e peças teatrais muito influenciados por Borges e o realismo mágico (um de seus filmes, inclusive, é uma adaptação do conto de Borges, “El inmortal”), e algumas sutilezas de sua escrita, como seu senso de humor, podem ser captadas nos filmes. Neles, o artista frequentemente utiliza uma estrutura equivalente ao formato literário da crônica, elaborando narrativas de suas próprias viagensao redor do mundo durante quase uma década, ao lado de sua esposa Laura Honik.
E é difícil falar dos filmes de Honik sem mencionar o seu uso de músicas que inclui os Beatles, György Ligeti, Steve Reich e Bach. Seu talento para criar filmes musicais se torna especialmente evidente em Passacaglia y fuga, um filme cuja sincronia com a composição do mesmo nome de Bach atinge a perfeição.
Serviço
Mostra Cine Sin Limites
Data: De 4 a 14 de maio de 2017
Local: Centro Cultural São Paulo (Rua Vergueiro, 1000 – Paraíso – São Paulo – SP)
Ingressos: R$2,00* – 99 lugares (Sala Lima Barreto)
Contato: (11) 3397-4002
Site: http://www.centrocultural.sp.gov.br/programacao_cinema_1.html
*a bilheteria será aberta uma hora antes do início de cada sessão para a retirada de ingressos, que não estarão disponíveis pela internet
